画速写的技巧和注意的地方

速写是一项实践性很强的技能，需要平时不断的练习，积累经验。通过反反复复的勾画、颜色搭配与修饰，在不断练习的过程中，不断打磨自己的绘画技巧，才能达到优秀的速写成果。

画速写的技巧和注意的地方

画速写的技巧

1、构图的重要性

首先还是和同学们强调一下构图的重要性。

不管是速写还是素描，构图都是一幅画的开始，一幅画是否成功在一定程度上也取决于构图。试想一下，一副速写画得非常好，但是脚画出去了，老师还会给他高分吗？显然是不可能的。

单人速写的构图虽然简单，但是也有很多知识点需要注意，千万不能在这个环节丢分。

2、构图的原则

单人速写的构图原则有以下几点：

第一是上紧下松，顾名思义，头部以上的空间要稍微少一点，脚以下的空间要稍微多一点，这样会让画面不往下掉，看的时候会比较舒服;第二点是人物看的方向空间要稍微多一点，不管是看上面下面左边还是右边，都是如此，这样会让画面有一种延伸感，如果这个空间留的太少会使画面过于压抑，有一种被局限的感觉。

3、人物比例的确定

首先在构图之前我们要准确的把握人物的比例。

基本原则是站七蹲五坐三，实际的话需要我们根据模特去测量，然后在纸上稍微的标注一下，头顶的位置和脚底的位置，然后把头的轮廓画出来，再确定头颈肩的位置，上半身的基本动态及比例，腿的动态及比例，确认好之后眯起眼对比一下模特，如果觉得没问题了再从头开始画。

这样是最保守的构图方式，同学们不要嫌麻烦，特别是初学者，一定要养成画画把人物比例确定好再开始画的好习惯。

需要注意的地方

一：线的穿插；表现好线与线之间的穿插和呼应关系，是使画面富有节奏感的重要因素。

二：线的取舍提炼；速写训练中，基本形肯定之后，对于线的处理应注意以下几点：“衣纹线”应注意忌平行，注意疏密对比，体现结构。

三：线的对比；在速写中，通过对比发现物体形体比例、透视关系的正确与否。而速写中强调在形体比例、动态、透视等几方面准确的前提下，利用和强调线的对比，通常有以下几种对比手法：线的曲直对比、线的浓淡对比、线的虚实对比、线的长短对比、线的疏密对比、线的粗细对比。

四：关于结构；速写的目的在于培养正确的观察方法及严格的造型能力。写生者必须具备扎实、熟练的人体解剖知识，这样在写生中才能做到游刃有余，人体的内部结构是没有变化的，变化的只有随着人体运动的动态、衣纹等。

画好速写的三个方法

一、 明确学习目标，勤画速写

画速写能锻炼人敏锐的观察力和形象记忆力，通过不断的速写训练能使你的头脑与眼睛、手的关系边到协调，正如古人所说：心手相通。它是一种能力与素质的培养与训练，不应该只为应付考试而去练习。

如果你想在速写方面有所造诣，迅速地提高自己的造型能力，就应该把速写训练作为一个突破口，把自己融入“速写生活”中去。

随身携带一个速写本子，走到哪画到哪，每天坚持画几张速写，眼睛观察不能停、作画的状态不能散，作画的思路不能断，可以“用眼睛去画”，真正做到“曲不离口，拳不离手”的作画境界。

二、 模仿大师，向名家学习

学习速写，努力和坚持当然必要。但有一个正确的学习方法能够使学习事半功倍，那就是一定要选择好的速写范本去学习和临摹。但是大师的作品的特点和风格都非常强烈，有的不一定你会马上接受。

这时，可以请教有经验的老师给你推荐一些大师和国内的一些优秀画家的作品，有条件能听老师给你分析讲解他们的作品，这样收获会更大。

如达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、荷尔拜因等，这些大师的作品比较适合学生学习、临摹，正如俗语所说：“熟读唐诗三百首，不会作诗也会吟”。当然国内优秀作家的作品也可以多临摹观赏。

三、培养良好的辨识能力

如今的艺术书籍在市场上多如牛毛，各式各样的书籍经常给学生造成许多困惑，甚至有些低劣的书籍误导学生对速写产生许多错误的认识，这不是我们所希望看到的。那到底什么样的速写才算是一幅好的作品呢？

现在我们就来总结一下。好的作品必须具备构图完整饱满，人物比例动态生动准确，人物结构关系清晰，虚实相应、松紧结合，归纳概括，中心突出，特点到位，整个人物气韵生动等。

决定一幅作品优劣的因素非常多。从最开始的构图到最终完成的画面，从大的动态把握到局部的细节刻画，每一个步骤都可以决定成败。

这些常规性问题在以后都会提到，且大部分学生在这些问题上都能达成共识，比如构图的合理安排，人物比例的准确生动，用线的方圆结合等，这些并不需要再去强调，而要强调的是一些在学生中普遍存在的错误认识。

速写怎样画才能出高分

1、到位与拉开

“到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等，到位是一种基本功、一种能力，它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。

“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位，层次要高一些，主观的发展空间也大些，就是“真实”也只是艺术上的真实。

“拉开”则是一种人文素质，一种主观手段，“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等，是更高意义上的简化与归纳。

它比“到位”又更加主观、自由，是艺术家个体主观能动性的精神表现，是一幅成功素描作品的重要指标，是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。

“到位”与“拉开”，相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系;它们对立统一、相互牵扯;过分的“到位”显得沉闷、平庸，需要“拉开”来注入生气与活力;

过分的“拉开”又显得花、碎、简单，需要“到位”加以整合，难就难在如何掌握这个“度”，或者说“恰到好处”，适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。

2、“黑白灰”妙用

这里强调“黑白灰”概念的重要性，完全是出于多年经验的明证，因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法，特别对于初学者将有事半功倍好的效果。

具体的操作是：将表达的物象，不管有多复杂、多凌乱，在明度上都把他(它)们概括归纳为画面黑白灰三大块，这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织，而任何一块又包涵许多层次(调子、体面)，只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下;

一般“灰”块的层面较为丰富，“黑”块的层面较为简练，三大块各自的面积具体而定，但必须得有。

这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病，从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。“黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制，它的意义可能还会更多。

3、线条之战

世上本无纯粹的线条，苏派只承认点的连续排列(面)。然而，艺术就是艺术，是人的精神产物，虽然有科学性，但绝不能等同于科学的“真”，一加一并非等于二，艺术里是没有标准答案的。

线条是主客观世界反映在艺术家精神世界的产物，线条是视觉艺术最基本的语言，是一种概括和“抽象”，它既古老又现代，而且永远不会过时;所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的，一出手就是线，更可以根据主客观的需要尽情发挥。

线条的艺术表现力是非常强的，我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。

线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折(形体或两色之间)、节奏等，还可以表达艺术家的主观情感，当时的冲动、激情，是一种主观的高度提炼，有时成为作品中的灵魂所在，于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。

线条的运用其实很讲究，既理性又感性，并非“外形线”那么简单，线条要注意表达出物象的来龙去脉：线的前后穿插、线的粗细强弱，哪里该用？哪里不该用？怎么贯气、怎么疏密对比？都有学问。

仅一个边线，就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子(面)层次高，因为它是艺术家主观的产物，是一种“精神表现”。

4、调子协同作战

美术高考生要端正一个认识∶不要为调子而调子，调子只是形体结构的服务者。就是说，即使用调子要体现内在的结构、起伏，要围绕形体结构这一中心来进行，反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子;

调子最好配合线条来运用，线条是外轮廓的高手，调子是表现内形体积、质感、层次的强者;如果线条是建筑中的地基框架，那么调子则是内外装饰，两者相辅相成、相互补充、相互促进。

以前盛行的苏派素描，把调子推到至高无尚的位置，什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子，什么没有实际存在的线只有看不见的面啦，这种过于物理、刻板的教学理论体系，使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。

在艺术上，过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。不过，调子还有一种功效：可以渲染背景气氛、调节画面节奏，使画面浑然一体，更加美整。